どうも、ズワイガニです。
ジャズを聴いていると、最初に出てきたメロディがいつの間にか姿を変え、サックスやピアノが自由に演奏し始めます。
「これ、全部その場で考えているの？」
「好きに弾いているように見えるけど、どうしてみんなバラバラにならないの？」
そんな疑問が浮かんだことはありませんか？
この、その場で音楽を作っていく演奏がアドリブ、つまり即興演奏です。ジャズのおもしろさを知るうえで、ぜひ押さえておきたいポイントでもあります。
演奏者は、曲の流れや今鳴っている響き、仲間の音を手がかりに、次のフレーズを選んでいます。その仕組みが少しわかると、長いソロも「何をしている時間なのかわからない」から、「今、こんなやり取りをしているのか！」に変わってきます。
今回は、譜面が読めなくてもイメージできるように、4つの図解でアドリブの世界をのぞいてみましょう。
アドリブは、音を使ったその場の会話
友達と話すとき、私たちは会話の台本を用意しませんよね。相手の言葉を聞いて、知っている言葉や経験を使いながら、次に何を話すか決めています。
アドリブにも、よく似たところがあります。
演奏者は、これまでに聴いた音楽や練習で身につけたフレーズをもとに、今の曲に合う音を選び、仲間の演奏にも反応します。経験から得た音楽の「言葉」を、その場の流れに合わせて使っているわけです。
もちろん、会話にも「今は何の話をしているか」という共通の話題があります。ジャズでも、多くの場合は演奏者同士が曲の構成やコード進行を共有しています。
まずは、よく演奏されるスタンダード曲などを例に、その共通の土台から見てみましょう。
図解① メロディが変わっても、曲の土台は進んでいる
ジャズには、最初にテーマを演奏し、ソロを回し、最後にテーマへ戻るという、おなじみの演奏の流れがあります。テーマとは、その曲のもとになるメロディのことです。
ソロに入るとメロディは変わりますが、その下では、曲を支えるコードの流れが繰り返されています。
コードは、いくつかの音を重ねた「和音」のこと。その並び方がコード進行です。たとえば、4小節でひと回りする架空の曲を使うと、こんな関係になります。
図では、何周してもコードは「C→Am→F→G」の順に進みます。その上で、演奏者が新しいメロディを作っています。
曲の構成を道順にたとえるなら、みんなが同じ道順を共有しながら、景色の楽しみ方を変えているようなものです。「次はあの角を曲がる」とわかっているので、違う音を出していても、一緒に先へ進めます。
この、曲の構成をひと回りする単位を1コーラスと呼びます。ここでのコーラスは、合唱や歌のサビとは別の意味です。実際の曲では、12小節のブルースや32小節の構成などがよく使われます。
「同じ曲なのに、ずいぶん長く演奏しているな」と感じたら、ソロのあいだに曲を何周もしているのかもしれません。
図解② 音はどう選ぶ？コードが着地点の手がかりになる
では、同じ土台の上で、どんな音を弾けばいいのでしょうか。
大きな手がかりになるのが、今鳴っているコードです。ここでは、わかりやすい「C」というコードを使ってみます。Cは、基本的にはド・ミ・ソの3つの音でできています。
このド・ミ・ソは、メロディを落ち着かせたいときの着地点として使えます。コードを作っている音なので、伴奏の響きとつながりを感じやすいんですね。
ただし、「Cのときはド・ミ・ソ以外を使ってはいけない」という意味ではありません。
たとえば、図のように「ミ・ファ♯・ソ」と弾けば、途中のファ♯が少し緊張感を作り、そのあとソへ進むことで落ち着きを感じられます。鍵盤なら、ファ♯はソのすぐ左にある黒い鍵盤です。
少し緊張させて、落ち着く音へ進む。こうした動きが、メロディの表情を作ります。
同じ音でも、どのタイミングで鳴らすか、どれくらい伸ばすか、次にどこへ進むかで聴こえ方は変わります。コードの外の音にも役割があるので、アドリブは「正しい音を当て続けるゲーム」と考えるより、響きの流れを作るものとして聴くとおもしろくなります。
なお、図では仕組みをつかみやすいように3つの音のコードを使いました。実際のジャズでは、さらに音を加えた、色合いの豊かなコードもよく登場します。
図解③ ひとつの短いフレーズから、話をふくらませる
音を選べるようになったとしても、ずっと違うことばかり弾いていたら、話のつながりが見えにくくなります。
そこで役立つのが、短いアイデアを繰り返し、少しずつ変えていく方法です。この、展開のもとになる小さな音のまとまりを「モチーフ」と呼びます。
たとえば、「ド・ミ・ソ」という3つの音を思いついたとしましょう。音の並びを変えなくても、出だしを遅らせたり、最後の音を長く伸ばしたりするだけで、印象が変わります。
図の色の帯は、音を出している時間を表しています。同じ音でも、置く場所や長さが変わると、前へ進む感じや、ゆったりした感じが生まれます。
もちろん、音を高くしたり、並びを少し変えたりする方法もあります。最初のアイデアを残しながら変化させることで、聴く側も「あ、さっきのフレーズがまた出てきた」と感じられるわけです。
そして、図のいちばん下の「間をつくる」にも注目してください。途中に音を出さない時間があります。
会話で少し言葉をためると、そのあとの一言が印象に残りますよね。演奏でも、間を置くことで次の音が引き立ったり、仲間の音がよく聴こえたりします。
速いフレーズをたくさん弾くだけが、アドリブの聴きどころではありません。短い音をどう繰り返すか、どこで止まり、どこから再び動き出すかにも、その人らしさが表れます。
演奏中は、頭の中で全部計算しているの？
ここまで読むと、「コードを確認して、使う音を考えて、リズムも変えて・・・そんなにいろいろ考えながら弾けるの？」と思うかもしれません。
ただ、演奏中に毎回、音楽理論を言葉で確認しているとは限りません。
私たちも、会話のたびに主語や動詞を分析してから話しているわけではありませんよね。音楽でも、繰り返し聴いたり、歌ったり、楽器で弾いたりすることで、耳と指に身についていくことがあります。
好きな演奏を聴き取り、真似して弾いてみる。曲のメロディやコードの流れを覚える。思い浮かんだ音を楽器で出せるようにする。そうした積み重ねが、その場で選べる音を増やしていきます。
考え方を言葉にするなら、「ここは少し静かにしよう」「さっきのリズムをもう一度使おう」「次の響きに向かっていこう」といったイメージです。これは判断を説明するための例で、全員が同じ手順で考えているわけではありません。
練習で身につけたことを使いながら、その場で聴き、選んでいく。アドリブの自由さは、そんな準備にも支えられています。
図解④ ソロのあいだも、仲間との会話は続いている
アドリブを聴くときは、主役の楽器だけでなく、その周りにも耳を向けてみてください。
たとえば、テナー・サックスのソロ中に、ドラムが「タタッ」と短いリズムを入れたとします。サックスがそれを拾って似たリズムで返し、ピアノが和音を添える。そこから、サックスが少し間を置く・・・。
こんなやり取りが生まれることがあります。
図は架空の例ですが、仲間の音が、次のアイデアのきっかけになることを表しています。
ピアノやドラムも、ただ決まった伴奏を続けているとは限りません。ソロの勢いに合わせて音数を増やしたり、逆に控えたり、リズムや響きを変えたりします。
誰かが出した音を、別の人が受け取る。その反応を聴いて、さらに演奏が動く。ライヴで「今、何か通じ合った！」と感じる瞬間には、こんなおもしろさがあります。
ちなみに、すべてのジャズが決まったコード進行を繰り返すわけではありません。フリー・ジャズのように、その枠組み自体を大きく広げる演奏もあります。ここでは、まず耳になじみやすいスタンダード曲の演奏を入口にしています。
次に聴くときは、3つだけ探してみよう
仕組みがわかっても、いきなりコードを聴き取る必要はありません。まずは、次の3つを探すくらいで十分です。
- 1. 最初のメロディが、いつ変わるかを聴く
- テーマが終わり、ソロへ入る境目を探してみましょう。最後にテーマが戻ってきたら、「ここに帰ってきたんだ」と感じられます。
- 2. 似たフレーズが、もう一度出てこないか聴く
- 音の高さがわからなくても、「さっきと似た形だな」「同じリズムを使っているな」と感じられれば十分です。
- 3. 主役が休んだとき、後ろの音を聴く
- ピアノやドラムが何をしているかに注目すると、ソロの向こう側で続いている会話が見えてきます。
自分でも少し試したければ、「ド・ミ・ソ」を鼻歌で歌い、出だしや音の長さを変えてみてください。同じ3つの音でも、言い方を変えられる。その感覚が、即興演奏を身近にする小さな入口になります。
おわりに
ジャズのアドリブでは、曲の流れやコードを共有しながら、短いフレーズを育て、仲間の音にも反応していきます。耳や指に身につけた音楽の言葉を使って、その瞬間の演奏を作っているんですね。
だから、同じ曲を同じメンバーで演奏しても、ソロの表情や掛け合いは変わります。「今日はここで間を置いたんだ」「さっきのリズムを、今度はピアノが拾ったんだ」と気づくと、聴く楽しみも増えていきます。
次にジャズを聴くときは、ひとつの短いフレーズや、音が途切れたあとのやり取りを追いかけてみてください。自由に聴こえていた演奏の中に、音楽の会話が少しずつ見えてくるようになりますよ！
